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lunes, 28 de diciembre de 2009

EVERYBODY DIGS BILL EVANS


"Siempre he guardado buenos recuerdos de aquel disco, porque sé que nos lo tomamos muy en serio, y eso es lo más duro de una grabación. Vas al estudio un día determinado a una hora concreta y confias en alcanzar esa intensidad. Da igual lo que suceda: tocas, cumples con tu cometido y la mayoria del público no nota la diferencia; pero cuando se da ese momento especial, llega a la gente... Quiero decir que es un disco que ha provocado una reacción en la gente con el paso de los años, y creo que tiene que ver con lo que viví en el estudio aquel día".
Cuando el disco salió a la calle en mayo de 1959 (sin duda un año histórico para la grabación de obras maestras (kind of blue de Miles Davis, Free Jazz de Ornette Coleman, Ah Um de Mingus, Giant Steps de Coltrane, Time Out de Bubreck y un largo etc...) Evans tenía 29 años, era su segundo disco como solista y vió recompensado su trabajo con un sinfín de elogios: Miles Davis: "Bill Evans toca el piano como hay que tocarlo", George Shering: "Bill Evans es uno de los pianistas más estimulantes que he escuchado en muchos años, Ahmad Jamal: "creo que Bill Evans es uno de los más refinados" y Cannonball Adderley: "Es un músico de una originalidad y un gusto insolitos, y poseé una capacidad aún más inusual: Hace que su idea de un tema parezca la única interpretación posible.

Todos estos elogios quedaron reflejados en la curiosa y elegante portada del LP.
Evans fué aquí un paso más allá de lo que había demostrado en su debut como solista "New Jazz Conceptions". El tono general del disco es más pausado, debido en parte al trabajo del batería Philly Joe, más relajado y constante. En "Night And Day" , mientras el batería asumía el papel principal de solista, Evans se dedica a juguetear con la pulsación, aunque, a fuerza de improvisar, acabó perdiendose. En uno de los ochos el redoble de la batería desapareció como un globo que se desincha y deja al piano en solitario. Por la reacción de los músicos podemos imaginar sus rostros de incredulidad mientras intentan reegancharse a un ritmo que parecía haberse esfumado.
Por una vez Evans, abordó a un tempo más moderado el "Oleo" de Sonny Rollins, uno de los temas más conocidos del grupo de Miles y que este tocaba a una velocidad endiablada. Philly Joe Jones estuvo contenido durante tres coros en los que se ciñó a acentuar agunos pasajes con las escobillas. Cuando por fín se soltó, Evans acomete una serie de modulaciones con una energia nunca vista hasta entonces. El pianista Billy Taylor reaccionó con entusiasmo ante la audición a ciegas a la que lo sometió la revista Down Beat: "Parece Bill Evans, es muy osado, me gusta como toca. Es uno de los pocos que hoy destacan por su dominio de ambas manos, aunque a veces, y sobre todo en estos tempos, parece más un instrumentista de viento... La verdad es que posee dos registros: el de las baladas y el de los temas rapidos, y el suyo es un estilo muy personal, le doy cinco estrellas"
La sección dedicada al piano solo que había incluido en "New Jazz Conceptions" proseguia aquí con otros cuatro temas, grabados de nuevo al final de la sesión. Uno era "Some Other Time" (de un día en Neva York de Leonard Bernstein), y que no aparece en el album original. Cuando Evans atacó el tema por vez primera, sucedió algo extraordinario: nada más empezar el ostinato de dos acordes sobre el que se construye el tema, se vió atrapado por la necesidad de desarrollar un motivo más y más ornamental basado en esa misma secuencia. Orrin Keepnews, presente durante la sesión confirma que aquello fué fruto de la casualidad, aunque según el propio Evans, "pasó que empecé a tocar la introducción y me cautivó tanto por su personalidad que me dije: "bueno, sigamos así con esto".
Otras personas tienen recuerdos contradictorios: Gretchen Magee, profesora de teoría de Bill en el Southeastern, asegura que esta exploración, o cuando al menos una variante de la misma, figura en un ejercicio de composición que Evans había hecho en sus años de estudiante: Peri, su novia de siempre, recuerda que, en casa, saltaba de "Peace Piece", (como acabaría llamandose aquella creación), a "Some Other Time", un tema que a menudo ella le pedía que tocara. Como tan a menudo sucede en el mundo del arte, nunca sabremos cual fué el verdadero origen del motivo. El contrabajista Chuck Israels sospecha, que podría tratarse de una improvisación estudiada.
Algo de verdad debe haber en todas estas historias como tambien que uno de los temas en los que se inspiró Evans fué la Berceuse en Re Bemol mayor op. 57 de Chopin, que el pianista conocía a la perfección. Esta delicada composición comparte con "Peace Piece" una estructura basada en un obstinato sobre dos armonías de la mano izquierda, invariable hasta la cadencia final. La melodia de la mano derecha es inicialmente sencilla e incorpora un nuevo motivo decorativo después de cada grupo de dos o cuatro compases. Sobre el escenario, la pieza suena como una improvisación previamente escrita. Puede que durante la gestación de "Peace Piece" Evans estuviera cobrando conciencia, mental y formalmente, de la influencia de Chopin.
Sabemos también que el pianista era un apasionado de Scriabin, pero ¿conocía a otro compositor, Oliver Messianen cuyo catalogue d´Oiseaux acabab de ver la luz? Da lo mismo. Sea como fuere en toda la producción de Evans hay un buen número de ejemplos de composiciones que incorporan fragmentos que parecen reproducir el canto de los pájaros, temas cuya textura bitonal tiene un gran peso , como sucede en las partituras del maestro francés.
Evans nunca se vió capaz de satisfacer las peticiones que le hacían en los clubes para interpretar "Peace Piece". Aquella fué una interpretación única... O casi, porque despues de una primera toma, Orrin Keepnews escribió en la hoja de la sesión de grabación que Bill no acababa de estar satisfecho con el resultado, y optaron por usar la siguiente. "Es un tema libre en cuanto a su forma - comentaba Evans -. Solamente había una figura, que daba a la pieza una referencia tonal y una referencia rítmica. A partir de ahí todo era posible. A excepción de la figura del bajo todo lo demás era improvisado".
Evans propuso acabar cada una de las caras del LP con una breve pieza titulada "Epilogue", en la que unos intervalos deliberadamente sobrios se mezclaban creando una melodía de reminiscencias populares. En una de las discografías existentes se dice que la aparición repetida del tema se debe a un error. Sin embargo su inclusión por duplicado en la reedición del cd, supervisada por Orrin Keepnews, el productor original demuestra todo lo contrario.
En las dos baladas restantes, Evans crea un espejismo que acaba con la idea de que la nota muere con el propio instrumento. Para hacerlo hace falta una cierta disposición de ánimo, pues es necesario diseñar una frase que sirva para enlazar todas esas notas conforme van enmudeciendo. Bill lo logra con creces en "What is There To Sty" y "Young And Foolish", aguantando en ambas la melodía sin que se pierda el sonido triste y fundiendo las respectivas estructuras armónicas. En ambos temas recurrieron a un nuevo truco técnico que actuaba como un difusor de sonido aunque de manera inversa, alargando las notas graves del acorde despues de atacar las de la melodía. Sin embargo, lo que verdaderamente hace de "Young And Foolish" (el primer tema realmente lírico de su carrera en trio, y uno de los más conmovedores, es como juega con el sonido: Evans interpreta la melodía con tal fuerza que cala en lo más hondo del oyente.
*Fuente: "Vida y Música de Bill Evans" Petter Pettinger - Ed Globalrythm
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BILL EVANS TRIO - EVERYBODY DIGS BILL EVANS - RIVERSIDE LP - RLP1129 - 1959
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01. Minority - Gryce (5:21)
02. Young and Foolish - Hague, Horwitt (5:53)
03. Lucky to Be Me - Bernstein, Comden, Green (3:39)
04. Night and Day - Porter (7:34)
05. Epilogue - Evans (0:39)
06. Tenderly - Gross (3:32)
07. Peace Piece - Evans (6:42)
08. What Is There to Say? - Duke, Harburg (4:53)
09. Oleo - Rollins (4:07)
10. Epilogue - Evans (0:41)
11. Some Other Time [*] - Bernstein, Comden, Green (6:09)

Artist List

Bill Evans: Piano, Main Performer
Paul Motian: Drums
Sam Jones: Bass
Philly Joe Jones: Drums

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Grabado en Nueva York el 15 de diciembre de 1958
Producido por Orrin Keepnews

lunes, 21 de diciembre de 2009

50 AÑOS SIN NONINO


El 13 de octubre de 1959 fallecía Don Vicente Piazzolla "Nonino". Nonino inculcó a su hijo Astor el amor por el tango, y le compro su primer bandoneón con apenas 10 años. Todo esto sucedió en la ciudad de Nueva York, allá por el final de los años 20.

30 años más tarde un Astor Piazzolla todavía sin reconocimiento en el mundo de la música se vuelve a Nueva York con su mujer Dede Wolf y sus dos hijos Diana y Daniel. Fué quiza para Astor la época más dura de su vida, con muy poco trabajo y muchas amarguras. Piazzolla estaba de gira en Puerto Rico acompañando a los bailarines Juan Carlos Copes y Maria Nieves, cuando recibió la noticia, su mujer viajó a Puerto Rico para acompañar a su esposo. "Me fué a recibir al aeropuerto, junto con Copes y Maria Nieves. Lo primero que me llamó la atención fué que Astor luciera una camisa típica del Caribe, con muchos colores, todos chillones. No era su look, pero además estaba la muerte del padre por medio. Era un detalle, Astor no había dejado de actuar en el espectáculo de Juan Carlos Copes, incluso tocó la misma noche del 13 de octubre. Mucho más me llamó la atención que no hiciera ningún comentario acerca de la muerte del padre, ni el dia que llegué ni los siguientes. Ahí me di cuenta de que estaba en el aire. A los pocos días volvimos a Nueva York y en el trayecto del aeropuerto hasta casa no dijo ni una palabra, estaba como almargen de todo. Había empezado a elaborar el duelo, porque Nueva York lo llenaba siempre de recuerdos familiares y de su niñez"

Astor le pidió a Dede y a su cuñada Poupée (que se había quedado cuidando a los niños), que le dejaran solo. Al rato , desde la cocina escucharon que tocaba "Nonino" el tema que le había escrito cuatro años atrás, y en seguida casi si parar , una melodía desgarradora y triste ("que se va acabando como la vida", dice Astor) esa melodía fué agregada despues a "Nonino" y quedó inmortalizado como "Adios Nonino".

"Cuando terminó de tocar en el bandoneón esa melodía tan triste, lo escuché llorar como nunca antes y después en su vida"

"Adios Nonino" fué el único tema que Piazzolla compusó en el bandoneón, Astor siempre componía al piano.

La primera grabación de "Adios Nonino" corresponde al excelente debut discográfico del quinteto "Piazzolla interpreta a Piazzolla". Luego le añadiría una maravillosa cadencia de piano. En la historia del quinteto hay dos cadencias de "Adios Nonino" la de este disco de Dante Amicarelli y la de Pablo Ziegler en la última época del quinteto. Son partituras diferentes, por extravio de la primera o por que se le ocurrió a Piazzolla, tema que nunca quedó bién aclarado. Sea cual fuese la verdad, las dos son muy exigentes, para grandes pianistas. La de Amicarelli suena más tanguera; la de Ziegler es más técnica sin perder por ello emotividad. Las dos son impecables, para gozarlas.

Esta cadencia tiene una hermosa anecdota que relata el guitarrista Oscar Lopez Ruiz:

Dante Amicarelli tenía fama además de buén pianista, de ser un excelente lector de música. Era la primera vez que ibamos a tocar con el y Astor nos citó en su casa a las cinco de la tarde, por su expresa intención de que así fuera, Dante vió allí mismo las partituras que tenía que tocar cuando llegó, debo aclarar que algunas de estas partituras son muy dificiles de tocar aún cuando se las conoce, cuando no se las conoce resulta practicamente imposible.

Nuestro amigo Astor con un gesto de magnanimidad que me "conmovió hasta las lágrimas", decidió que empezaramos por los temas más "faciles", informandonos de que Dante leería a primera vista, sus ojos (que para mi ya no tenían secretos) me decían que estaba retrasando exprofeso el momento de jugársela a Dante. Quería que se confiara y cuando estuviera relajado y a gusto (y que por lo tanto perdiera un poco de concentración), y reconociera que tenía que estudiarlas partituras y así el se ensañaría diciendole que su fama de lector es puro cuento y dedicandole todo tipo de bromas y lindezas que uno se pueda imaginar.

Empezamos con "Triunfal" un tema que tenía un solo de piano muy lindo pero no de los más difíciles: DANTE LO TOCÓ DE PUNTA A PUNTA SIN EQUIVOCARSE NI UNA SOLA NOTA, los ojos de Astor iban cambiando de la diversión primero, a la sorpresa después y más tarde a la bronca.
Como segundo tema eligió uno de los medianos, ni facil ni terriblemente dificil: DANTE LO TOCÓ DE PUNTA A PUNTA SIN EQUIVOCARSE UNA SOLA NOTA, como tercero uno bien dificil: DANTE LO TOCO DE PUNTA A PUNTA SIN EQUIVOCASE UNA SOLA NOTA.
Astor ya estaba rabioso, por lo que después de disponer que descansáramos un rato, se dirigió a Dante y le dijo: "el próximo tema que vamos a tocar es "Revolucionario"; si lo tocas a primera vista, me como el piano con cuerdas y todo"; Dante miró la partitura y dijo: "fenomeno, cual es el problema, si me equivoco, paramos y empezamos de nuevo, para eso son los ensayos, ¿no?" esa humildad empeoró el gracioso mal humor de Astor, por lo que sin más esperas decidio reanudar el ensayo inmediatamente, con este tema, por supuesto. Antes de seguir con la anecdota debo contarles que a mi, poder tocar mi parte en "Revolucionario" me supuso tres meses de estudiarla intensamente, y además les aclaro tambien que mi parte no era de ninguna manera tan dificil como las del piano o el bandoneón. Lo ensayamos y ...DANTE LO TOCO DE PUNTA A PUNTA SIN EQUIVOCARS UNA SOLA NOTA.
Esto para Astor fué demasiado, fué la gota que colmó el vaso, guardó el fueye en su estuche y dijo "se suspende el ensayo hasta mañana... " y mirando a Dante le dijo "Para mañana te voy a escribir un solo de piano que si lo tocas a primera vista, me retiro de la música y me dedico a tejer para el resto de mi vida" Dante que se estaba divirtiendo como pocas veces en su vida dijo "Veremos".

Al día siguiente, ansioso, llegué pronto a casa de Astor, con la intriga de saber que barbaridad habría tramado para que Dante no pudiera leer y tocar a primera vista. Cuando Dante llego nos encontró charlando sobre los sucesos del día anterior, y admirados de su muy poco común habilidad para leer música. Astor le puso en las manos una partitura en un cuadernito bien pequeño, con lapiz y manuscrito por el mismo, lo que de por sí convertiría en una hazaña el leerlo a primera vista, dado que era zurdo y escribía a una velocidad descomunal por lo que su caligrafía se hacía practicamente ilegible.

Dante, tranquilo, se sentó al piano y empezó a tocar a primera vista y de punta a punta, la hermosa cadencia del comienzo del tema de "Adios Nonino" que grabariamos poco tiepo despues (a las tres de la mañana de un día sabado, despues de haber tocado en Michelangelo) para el sello trova. Frente a la belleza de lo que Astor había escrito, la cuestión de la lectura a primera vista cayó en el más absoluto de los olvidos. Ni Astor, ni Dante, ni nosotros se acordó de la cariñosa y diveretida disputa musical. Estabamos demsiado emocionados para acordarnos de esas tonterías.

Astor había escrito en un ratito una de las cosas más hermosas que produjo jamás y Dante la había tocado como si la hubiera tocado desde siempre, haciendonos vivir un momento inolvidable.
* Fuente: Memorias - Natalio Gorín - Alba ed.
Oscar Lopez Ruiz - Piazzolla Loco Loco Loco ed. La Urraca
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Los temas grabados en este LP pertenecen a mi producción de 1969, a pesar de Adios Nonino compuesto en 1959 y reorquestado este año. Tangata (Silfo y Ondina) es una suite de ballet compuesta para el coreógrafo Oscar Araiz.
Adios Nonino fué orquestado nuevamente debido a la necesidad de sentir un arreglo nuevo de este tema, porque nosotros (los músicos), nos aburrimos de tocar siempre lo mismo.
Otoño Porteño es la continuidad de una serie de las estaciones porteñas que completaré proximamente.
Michelanguelo 70 fué dedicado a nuestro refugio musical inaugurado por el quinteto este mismo año. Este tema es una especie de ejercicio musical, debido a mi imposición de escribirlo con solo tres notas.
Coral, es quizas el más intelectual de los temas de este LP, sin concesiones y compuesto sin la proposición de hacer tango. Está escrito para violín, guitarra, bajo y bandoneón, y forma parte de una serie de temas compuestos para la obra poética "Pedro Amor" de Alicia Ghiragossian.
Quiero reconocer que a mi juicio este es mi LP prefrido, el mejor logrado, sobre todo por las impecables interpretacones de los solistas: Dante Amicarelli (piano); Antonio Agri (violín); Kicho Diaz (contrabajo) y Oscar Lopez Ruiz (guitarra).
Si desean saber sobre Silfo Y Ondina, son mis protectores.
Astor Piazzolla.
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ADIOS NONINO - ASTOR PIAZZOLLA - TROVA TLS-5027 - 1969
1. Adios Nonino
2. Otoño Porteño
3. Michelangelo 70
4. Coral
Tangata (silfo y Ondina):
5. Fugata
6. Soledad
7. Final
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Grabado en los estudios Ion S.A. en marzo y junio de 1969
Productor: Alfredo Radoszinski
Director de grabación: Oscar Lopez Ruiz
Fotografía de portada: Juan Mestichelli
Tecnicos de grabación: Osvaldo Acedo y Jua Carlos Manojas
Master: Luis A. Quinteros

lunes, 14 de diciembre de 2009

OLIVER NELSON - THE BLUES AND THE ABSTRAT TRUTH

«El título fue mío… Si el blues es una verdad, ¿por qué no añadir entonces «the abstract truth» [la verdad abstracta]? El artículo «the» (el) estaba supuestamente allí: «El Blues», ¿sabe usted? Era como si, y perdón por la expresión, nuestros hermanos blancos hubieran dejado caer el artículo «el». Una vez más, la idea funcionó». Creed Taylor, familiarizado con las grabaciones a nombre de Oliver Nelson en Prestige, se sentía atraído por un aspecto inusual de la personalidad del saxofonista.
«Oliver era tan elocuente que podía hablar de un montón de cosas. Tenía formación en historia de la música, clásica o de cualquier otro tipo. Ambos compartíamos la misma afición, los trenes en miniatura. Oliver había construido en su sótano un campo de tala y yo había construido en el mío la línea de ferrocarril Norfolk & Western, que llegaba desde Norfolk hasta Columbus, en Ohio. Trenes de carbón, no Coltrane.(1) Oliver y yo teníamos muchas cosas en común, lo que nos permitía hablar cómodamente sobre música».

Contratado para hacer un único disco mientras continuaba grabando para Prestige, Nelson llevó una banda de jóvenes —algunos ya establecidos, otros recién llegados— al estudio de Rudy Van Gelder para su debut en Impulse: el saxofonista y flautista Eric Dolphy, el pianista Bill Evans, el saxofonista barítono George Barrow, el contrabajista Paul Chambers, el batería Roy Haynes y el trompetista Freddie Hubbard. «Yo, Phil Woods, Oliver… todos esos tíos estaban tocando con Quincy», recuerda Freddie Hubbard. «Así que tenía la ocasión de codearme con ellos, y entonces Oliver me pidió que hiciera esa sesión con él. Yo le gustaba a Oliver porque en esa época practicaba con Coltrane. Oliver no paraba de escribir ni siquiera cuando estaba con Quincy… y tenía una forma especial de escribir para saxofones, con notas próximas entre ellos.»
«¡Tenía algunas armonizaciones, tío, que parecían de otro mundo! Como cuando hizo [canta «Stolen Moments»], donde el barítono tocaba más alto que el tenor; tener un barítono haciendo una voz tan alta es poco habitual. Y tenía al alto por debajo del tenor, y yo tocaba la línea principal».
De hecho, a Hubbard le concedió el honor de interpretar el primer solo del disco, aunque el trompetista recuerda haber tenido algunas dudas cuando las cintas se pusieron a rodar.
«No sabía que quedaría tan bien porque a mí no me sonaba tan fuerte como creía que debía ser. Pero Oliver quería que yo empastara con los vientos en lugar de estar por delante de ellos. Recuerdo haber dicho: «¿Cómo va a cuajar esta sección rítmica?» Me refería a que Roy Haynes no toca fuerte y parecía que Paul Chambers estuviera siempre por encima con su gran sonido. Roy simplemente se mantuvo agazapado tras de él, y a Bill Evans no lo escuché hasta que pusieron la cinta, porque tocaba muy suave».

Taylor estaba tan entusiasmado con la elección de acompañantes que hizo Nelson como con el propio entusiasmo del arreglista. «Todo lo que tocaba Freddie Hubbard me tiraba de espaldas. ¿Y qué decir de Bill Evans? Estaba en gran forma, tocaba con sabiduría. Y Oliver estaba muy animado. ¡No podía marcar el comienzo del compás ni contar los tiempos, porque habría salido volando! Se habría levantado en el aire y habría caído justo a compás. Estoy seguro de que la tensión le subía al máximo cada vez que dirigía o tocaba. No quiero decir que estuviera fuera de control, sino que sentía cada gramo de lo que estaba sucediendo».

¿Y los temas del disco?
«»Stolen Moments» estaba ahí… solo puedo decir, ¡caramba!», se entusiasma Taylor.
«»Cascades» era el tema más raro y «Yearnin» era sencillamente fantástico. Nunca había escuchado nada igual, pero podía entenderlo. «Hoe-Down» era bastante extraño, me parece…»
«Oliver tenía esa composición, «Hoe-Down», que nunca olvidaré», dice Hubbard. «Le dije, «Tío, ¿de qué va esto?» [Canta la melodía]. Me sonaba fuera de contexto, pero él tomó una frase que yo había copiado de Coltrane y la incluyó en el puente. [La canta]. Lo sacó de esa línea. Oliver no era tanto un solista como un compositor, así que cogía trozos y detalles de otra gente».

Publicado en la primavera de 1961, The Blues and the Abstract Truth definió la carrera de Nelson, fue un éxito inmediato en las emisoras de jazz e incluso en las otras, y finalmente condujo al solicitado arreglista a trasladarse a Los Ángeles en 1967. Dice Taylor:
«No creo que la palabra «crossover»10 formara parte del lenguaje en aquel entonces, pero todas las emisoras de jazz de la época lo querían, y otras emisoras de música pop, que hoy ya no existen, también se lanzaron a toda mecha a por él. Oliver tenía un talento tan especial que odié verle marchar a Hollywood, donde prácticamente se esfumó».
* Fuente Ashley Kahn - Impulse, el sello que Coltrane impulsó - Ed. Globalrythm

OLIVER NELSON / THE BLUES AND THE ABSTRAT TRUTH/ IMPULSE A(S)-5

1."Stolen Moments"
2."Hoe-Down"
3."Cascades"
4."Yearnin'"
5."Butch and Butch"
6."Teenie's Blues"

Oliver Nelson — alto saxophone, tenor saxophone
Eric Dolphy — flute, alto saxophone
George Barrow — baritone saxophone
Freddie Hubbard — trumpet
Bill Evans — piano
Paul Chambers — bass
Roy Haynes — drums

FECHA DE GRABACIÓN: 23 de febrero de 1961

FECHA DE EDICIÓN: Agosto de 1961

PRODUCTOR: Creed Taylor

lunes, 7 de diciembre de 2009

CHARLES MINGUS - MINGUS AH UM


Al igual que Duke Ellington, su gran maestro, Charles Mingus (1922-1979) era un músico de imposible adscripción a movimiento concreto alguno. Un somero repaso a sus orígenes descubre un basto cúmulo de influencias que incluso crece y se diversifica a lo largo de su carrera. La música de caracter religioso, el blues (tanto en su corriente rural como urbana), la música culta de tradición europea, el bebop y el cool constituyen la materia prima que utiliza para forjar su particularisimo estilo. El resto es unicamente patrimonio de los grandes: PURO GENIO
El Mingus compositor demuestra una explendida capacidad para jugar con las atmosferas ambiguas: si bien en ocasiones el drama es puro drama, en otras se torna mueca indefinible; el sentido del humor que impregna alguna de sus obras más extremadas adquiere una acidez que provoca, de nuevo, sensaciones sin catalogar. Por su parte el Mingus arreglador dibuja timbres exquisitos, nitidamente extratificados, en competencia con masas sonoras que parecen expresar la confusión misma.
Así es el mundo del Mingus fascinado por el estudio de las extructuras, por la investigación de las grandes formas orquestales u por la adecuada integración del solista en ellas. El Mingus instrumentista parece de buena gana subordinado, a pesar de que representa una de las cumbres del instrumento. Muy pocos contrabajistas alcanzan la profundidad expresiva, la agilidad de ideas y el swing contagioso que Mingus derrocha incluso en los momentos que Mingus debe vigilar el correcto desarrollo de las complejas imágenes sonoras que Mingus crea para sus músicos. Lo mejor de cada faceta de Mingus aparece reflejada con precisión en AH UM.
Este disco, grabado en un momento crucial de la trayectoria del contrabajista, es obra de un músico que piensa como un director de gran orquesta, pero se ve obligado a escribir arreglos para un grupo reducido. La limitación se convierte en este caso en ventaja, ya que bajo esas condiciones su música gana en claridad y concisión: queda reducida a pura esencia. Mingus explota las voces del septeto con encomiable variedad timbrica y despliega un amplio abanico rítmico.
Mingus Ah Um, disco grabado en 1959, y cuya formación cuenta con dos saxos altos (uno de ellos también al clarinete), un tenor, dos trombones y la sección rítmica de piano, contrabajo y batería. Formación atípica que, gracias a los inspirados arreglos del de Arizona, suena casi como una auténtica big-band (otra de las evidentes características de su música).
La grabación, primera de Mingus para Columbia Records, comienza con Better Git Hit In Yo’ Soul, un espectacular tema en métrica de 6/8 que guarda tanto en forma como en estilo muchas semejanzas con el gospel. Goodbye Pork Pie Hat es un blues lento con la armonía muy modificada en homenaje a Lester Young (en el disco Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus aparecería como Theme for Lester Young) donde la sofisticación armónica sirve como colchón al espacio y la calidad interpretativa. La magnífica Open Letter to Duke es una suite de tres temas que comienza a ritmo de bop para caer en un delicado tempo lento donde los vientos acompañan, responden y llevan en volandas al saxo solista hasta la tercera parte del tema, otra vez rápida, pero esta vez con ritmo latino y un final de lo más divertido. Mención especial para Bird Calls, cuya introducción auténticamente suena a "llamadas de pájaro". El swingueante Fables of Faubus se escribió en referencia a Orval Faubus, Gobernador de Arkansas, por sus tendencias racistas. Completan el disco el delicioso Self-Portrait in Three Colors, Boogie Stop Shuffle, Pussy Cat Dues y el simpático Jelly Roll (también grabado en Blues and Roots como My Jelly Roll Soul), blues en homenaje al gran pianista Jelly Roll Morton, y que recuerda mucho a los sonidos del ragtime y el Dixieland de su época.
Respecto a la interpretación de los temas (todos ellos composiciones originales de Mingus) cabe destacar el enorme feelin’ de la sección de vientos, la sobriedad del propio Mingus al contrabajo y el enorme swing del batería Dannie Richmond, un habitual en las formaciones mingusianas. En definitiva, Mingus Ah Um es una de las mejores obras de uno de los mejores músicos que la historia del jazz y de la música en general nos ha dado, y merece un lugar de honor en cualquier discografía jazzística.
*Fuente: Federico Gonzalez "100 discos de Jazz" ed. La Máscara y Arturo Mora - Tomajazz
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CHARLES MINGUS - MINGUS AH UM - Columbia CK 65512 - 1959
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1."Better Git It In Your Soul"
2."Goodbye Pork Pie Hat"
3."Boogie Stop Shuffle"
4."Self-Portrait in Three Colors"
5."Open Letter to Duke"
6."Bird Calls"
7."Fables of Faubus"
8."Pussy Cat Dues"
9."Jelly Roll"
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John Handy — alto sax (1, 6–7, 9–12), clarinet (8), tenor sax (2)
Booker Ervin — tenor sax
Shafi Hadi — tenor sax (1–4, 7–8, 10), alto sax (5–6, 9, 12)
Willie Dennis — trombone (3–5, 12)
Jimmy Knepper — trombone (1, 7–10)
Horace Parlan — piano
Charles Mingus — bass, piano
Dannie Richmond — drums

Producido por Teo Macero