JOE HENDERSON: PAGE ONE

Joe Henderson quizás sea el saxofonista tenor más importante surgido despues de Sonny Rollins y John Coltrane. La magnitud de su significación ha sido postergada durante muchos años, hasta surgir, en el panorama del jazz, como el artista más destacado, el portador del mensaje de la purreza creativa y, porque no, de la linea central de la modernidad. Su estilo, ligado al de ambos colosos por actitud y relación con el instrumento común más que por sus sistemas sensibles, refleja la síntesis de toda la tradición negra del saxo tenor y puesta en claro de que la forma no es enemiga de la más libre inventiva. Henderson ha logrado a lo largo de su carrera profesional, una voz particular y ser un punto de referncia como en su momento lo fueran Rollins y Coltrane.

Dos meses antes de la grabación de Page One, el primer disco a su nombre, Henderson había entrado por primera vez en una sala de grabación para acompañar al trompetista Kenny Dorham para la grabación de "Una Más"; en medio de los dos discos hay una sesión a nombre de Grant Green, "Am I Blue". Henderson, no pasó inadvertido y, como artista de la compañía Blue Note, estuvo presente y activo en acontecimients importantes, junto a Lee Morgan, Andrew Hill, Horace Silver, Fredie Hubbard, Bobby Hutcherson y McCoy Tyner, la flor y nata del Hard Bop. En 1967 fichó para Milestone y debutó con un disco excelente, "The Kicker".

Ubicado dentro de su época, Page One no es un típico disco de Hard Bop; la suma de composiciones, dos de Dorham y cuatro de Henderson, da la idea de la necesidad de puesta en claro de ciertos asuntos descuidados: el Free Jazz (o la llamada "New Thing") gobernaba entonces sobre las voluntades estéticas (y aún sobre el buen gusto musical), mientras que el Hard Bop permanecía estabilizado sobre una rutina bastante alarmante. El solismo imaginativo y moderno de Henderson, su esmerada atención a la voz instrumental, el desprejuicio melódico siempre dentro de un orden armónico, dan a su música una personalidad única. Todas estas características las desarrolaría con los años, hasta llegar a una rotunda perfección que ya, en page One, asoma impetuosa. Kenny Dorham, paternarie de esta y otras empresas de Henderson, fue uno de los más importantes trompetistas del jazz moderno; sonido desgarrado, fragmentación de la frase dentro de una lógica narrativa que envuelve la idea, su estilo combina a la perfección con el de Henderson, más por analogía conceptual que por parecido formal. Dorham fue uno de los pocos trompetisatas admirad sin paliativos por Miles Davis, murió en 1972.

En 1992 Joe Henderson presentó una obra maestra "Lush Life", donde toca la música de Billy Strayhorn. En 1993 fue el turno de "So Near, So Far", un homenaje a Miles Davis, en ambas confirma su maestria y horadez artística. Murió el 30 de junio de 2001

* Cesar Sampayo - 100 discos de jazz - ed. La Máscara

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Joe Henderson - Page One - Blue Note - 1963

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Temas

1 Blue Bossa
2 La Mesha
3 Homestretch
4 Recorda Me
5 Jinrikisha
6 Out of the Night .

Músicos

Joe Henderson - Saxo Tenor
Kenny Dorham - Trompeta
McCoy Tyner - Piano
Butch Warren - Bajo
Pete La Roca - Batería .

DAVE BRUBECK - SOUTHERN SCENE

El pianista Dave Brubeck fue, en buena medida, un hombre incomprendido en su tiempo y muy duramente criticado al inicio de su carrera (no se le entendió ese intento de unir el jazz y la música clásica europea). Sólo el paso del tiempo ha puesto ha cada uno en su sitio y hoy Brubeck es todo un icono del jazz de todos los tiempos. El año 1959 fue el gran año de Brubeck y su afamado cuarteto, pues fue en ese periodo cuando lanzó el gran disco de su vida y uno de los más interesantes de todos los tiempos en el jazz; “Time Out”, donde se encontraba la celebérrrima “Take Five”, pieza compuesta por el saxo Paul Desmond. “Southern Scene” fue el disco que siguió a “Time Out”, y en él Brubeck y su banda se fueron al sur de los Estados Unidos para elegir unas cuantas canciones del folk countruy americano y llevarlas a los terrenos del jazz. De esta manera aparecen temas como “Oh, Susana”, “Deep in the heart of Texas”, y “Happy Times”. La única excepción a esa selección es el espiritual negro “”Nobody knows the trouble I’ve seen”. Ahora se recupera este cd que hasta ahora sólo estaba editado en una ignota edición japonesa. El disco se completa con “The Riddle” un disco grabado igualmente en 1959 por el cuarteto de Brubeck pero con el significativo cambio del saxofonista Paul Desmond por el clarinestista Bill Smith, con quien ya había trabajado entre 1946 y 1950 y con quien volvería a hacerlo en su cuarteto a la muerte de Desmond. Esta es la primera vez que este trabajo ve la luz en formato digital.

Jazz limpio, brillante en su ejecución, donde se muestra ese gusto por la música clásica por parte de Brubeck pero también, cómo no, el radiente sonido de eso que se dio en llamar West Coast Jazz.

*José Manuel Pérez Rey - distritojazz

DAVE BRUBECK - SOUTHERN SCENE - Columbia - 1959

Temas: Truth; Unfinished Woman; Koto Song; Take Five; Rotterdam Blues; Sweet Georgia Brown

Músicos: Paul Desmond (saxo alto); Dave Brubeck (piano); Gene Wright (contrabajo); Joe Morello (batería); Bill Smith (clarinete)

CHARLIE BYRD - BRAZILIAN BYRD

Buen gusto, discreto, insinuante y melódico, Charlie Byrd tuvo dos logros notables en su haber - la aplicación de técnicas de acústica de guitarra clásica con el jazz y la música popular y ayudando a introducir la música brasileña a la misa el público norteamericano. Nacido en una familia musical, Byrd experimentó su primer roce con la grandeza, mientras que un adolescente en Francia durante la Segunda Guerra Mundial, jugando con su ídolo Django Reinhardt. Después de algunos conciertos después de la guerra con Sol Yaged, Marsala Joe y Freddie Slack, Byrd abandonado temporalmente el jazz a estudiar guitarra clásica con Sófocles Papas en 1950 y Andrés Segovia en 1954. Sin embargo volvió a salir adelante en la década dando conciertos en todo el área de Washington DC en la configuración de jazz, a menudo dividir sus sets en el jazz ydistintos segmentos clásicos. Él comenzó a grabar para Savoy como líder en 1957, y también ha grabado con la banda de Woody Herman en 1958-59. Un recorrido por América del Sur bajo los auspicios del Departamento de Estado de EE.UU. en 1961, resultó ser una revelación, porque fue en Brasil, que Byrd descubrió el movimiento de la bossa nova emergentes. Una vez de vuelta en Washington, jugó algunas cintas de bossa nova a Stan Getz, quien luego convenció a Creed Taylor de The Verve para grabar un álbum de música brasileña con él y Byrd. Ese álbum, Samba Jazz, se convirtió en un éxito pop en 1962 con la fuerza de la canción "Desafinado" y lanzó la ola de la bossa nova en América del Norte. Gracias a la bossa nova, varios discos para Riverside seguirse, incluida la definición de Bossa Nova Pelos Pássaros, y fue capaz de conseguir un importante contrato con Columbia, aunque los registros de dicha asociación a menudo consistía en escuchar pop-regado con facilidad. En 1973, formó el grupo de los Grandes Guitarras con Herb Ellis y Barney Kessel y también ese año, escribió un manual de instrucciones para la guitarra que ha sido ampliamente utilizado. A partir de 1974, Byrd grabaron para el sello Concord Jazz en una variedad de entornos, incluyendo sesiones con Laurindo Almeida y Bud Shank. Murió 02 de diciembre 1999 después de un combate de largo con el cáncer. Richard S. ~ Ginell, All Music Guide

El régimen de Tommy Newsom de cuerdas, metales e instrumentos de viento puede ser un poco dulce y las 13 actuaciones (que en la reedición en CD incluye un inédito tomar de "Engaño") puede ser demasiado concisa (a menudo menos de tres minutos), pero el música resultante es extrañamente agradable. Acústica guitarrista Charlie Byrd tenido siempre una gran afinidad por el jazz brasileño, y él se pega exclusivamente a Antonio Carlos Jobim canciones (incluyendo "Só Danço Samba", "Corcovado", "Dindi", y "La Chica de Ipanema") durante este buen gusto y el esfuerzo melódico. Verdaderamente hermosa música. ~ Yanow Scott, All Music Guide.

*L´hostia Latin Jazz - chumancera

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CHARLIE BYRD - BRAZILIAN BYRD - COLUMBIA JAZZ -

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01.Jazz ´n´Samba
02.Corcovado
03.That Look You Wear
04.The Girl from Ipanema
05.Samba do Aviao
06.Engano
07.O Amor em Paz
08.Dindi
09.Cancao do Amor Demais
10.As Praias Desertas
11.Samba Torto
12.Someone to Light Up My Life
13.Engano - (previously unreleased, alternate take)

JOHN COLTRANE: BALLADS

Escribir sobre John William Coltrane “Trane” (algo que todo aficionado al jazz debería intentar alguna vez) es terrible, pues, evidentemente, no dirás nada nuevo. A lo sumo, aportarás algún dato biográfico que le situará en un contexto temporal y musical concreto, y luego darás tu visión de su música, y tampoco serás original, pues todo, bueno y malo, ya se escribió. Pero su música y su legado permanecen espléndidos, seductores, ajenos a modos, modas y tiempos, ofreciéndose ante tí... y debes caer en la tentación.

John nace el 23 de Septiembre del 1926 en Hamlet, Carolina Del Norte. Influenciado por su padre, gran aficionado a la música, empieza a tocar el saxo alto. Forma parte de la orquesta de su regimiento, y luego, de varios grupos de rythm & blues. Entra en la orquesta del Apollo de Harlem, y en el 49 empieza a tocar en la big band de Dizzy Gillespie. Luego, entre otros, toca con Earl Bostic y Johnny Hodges. Y en 1955 con Miles Davis, logrando el reconocimiento de los aficionados y el inicio de su carrera solista en el 57, reforzada por su unión con Thelonius Monk. Se integra totalmente en el hard bop y en 1960 crea su mejor y más consistente grupo, el John Coltrane Quartet. Entre el 21/12/61 (aún con Reggie Workman al contrabajo) y el 13/11/62, grabarán Ballads, uno de sus mejores y más atmosféricos discos, donde lirismo, sofisticación y belleza caminan de la mano.

Say it. Inicio impactante. Exuda tristeza ése saxo, hay mucha en éste Lp, y el tema en sí, es el colmo de la melancolía... es un disco de baladas, y si el saxo comienza a oprimirte el corazón, no quieres oír nada más, que nada ni nadie te moleste. ¡Es tan dulce!. Ni siquiera una pequeña aceleración del tempo del saxo y batería te impide percibir cuánta delicadeza hay en el tema. Y, cerca del final, se remansa y el saxo queda apenas sugerido en el ambiente. Raramente su saxo sonó tan calmado, tan pletórico de belleza y placidez. El apoyo del grupo, quizá su grupo ideal, es indispensable. El piano de Tyner, uno de los mejores pianistas del jazz en todo su esplendor, es tan bello y calmo como ése saxo de oro. Sí, sabe “pulsar las teclas”. Y más placidez y belleza al final del tema es imposible. Bellísimo.

You don’t know what love is. La entrada es puro bálsamo. Cesas tu actividad y te entregas inerme a la belleza de ése saxo imposible. John no dilata locamente las notas, las acaricia apenas lo justo para bordar otro tema insuperable. El saxo es, claro, el instrumento estrella, y tras ésa entrada íntima, John cesa el discurso calmo y relajado y se anima sólo un poco... sigue siendo una balada, pero no tan triste. Elvin, fantástico Y vuelve John. No quiere perder el pulso... y lo logra, y al final vuelve la dulzura del inicio.

Too young to go steady. Uno de mis temas favoritos, un calmante para tu tristeza. ¿Quizá la acentúe?... Y qué. Es inevitable conmoverse al oír éstas notas únicas, nacidas del corazón, a las que se suma la increíble belleza del piano en perfecta conjunción con el saxo. John hace una intro rápida y, en apenas tres notas, dibuja un mundo de gran belleza y sensibilidad. El saxo, muy solista, brinda un caudal impactante de hermosura... hasta que John cede el mando a Tyner, que brinda un solo de extrema delicadeza... aunque John no le permita un gran protagonismo, pues enseguida se hace con el tema con ésa facilidad que le caracteriza. Belleza multiplicada por dos en un tema espectacular.

All or nothing at all es, realmente, una “balada rápida”y su tempo, lógico, algo más rápido. Inicio muy impactante, y enseguida entra al trapo John. Hay que oír su discurso urgentísimo, y la respuesta, genial de Elvin, rápido, despiadado. El nivel técnico es altísimo, y la unión del grupo, irreprochable, Pero no es realmente una balada. Es, sí, un tiempo medio destacable, pero no una gran balada... ¡Si hasta hay un solo de batería al final...! Sí, hermoso en su urgencia, pero...

I wish I knew. ¡Esto sí es una balada, calmada, relajada, fluyente, atesorando notas de imposible belleza!. El tema, de tremenda belleza, es un remanso que enamora, que hace imprescindible un disco. John brinda un solo de gran placidez, sin urgencias. Tyner, destacadísimo, es un auténtico caudal de hermosura, oírlo ya vale un Lp, y nos calma con una intro de gran belleza muy breve, pues entra John, tan o más calmo que él, con notas tan lentas que crees verlas formarse ante ti, y hay que rendirse a éste binomio genial. John, en sus horas más altas, brilla y desgrana toda la belleza del mundo en su saxo. Tyner aporta la mucha sabiduría que acumulan sus dedos e inicia un solo tan cristalino como el suyo. ¡Qué serenidad! Añade un batería asombroso y un bajo impresionante y, claro, ése saxo único, y sale ésta obra maestra. Increíble, sublime. A oír mil veces.

What´s new. De nuevo, Tyner te descoloca y envuelve de belleza y armonía un tema que destaca por su belleza formal. Su solo lo llena todo, tan ineludiblemente bello que casi adormece tu sensibilidad, pero ansías ése saxo único. Y John irrumpe, gentil, muy apoyado en un grupo fabuloso (¡Qué decir de Jimmy y Elvin!). Fluye ante tus oídos fatigados de tanta belleza, e inunda tus sentidos sólo un segundo más rápido que en la balada usual. Comienza a improvisar solos de tremenda calidad, Sigue siendo bello aunque algo más bravo, añades el final único de Tyner y sólo puedes musitar... ¡Qué bello...!.

It’s easy to remember. Otra gran entrada de John que relaja sólo oírla. ¡Qué calma, qué serenidad!. Un piano casi inaudible, y el saxo puro, de placidez sin igual, te sumergen en paisajes oníricos y músicas del alma, en nociones abstractas de belleza. John es la gran estrella, perezoso, tan acariciador que lo asiríamos y no dejaríamos huir. Mas la belleza es esquiva, y el tema se desliza como arena entre tus dedos... y acaba, mas no ésa increíble sensación de ansia de belleza saciada. Sumamente hermoso, mas demasiado breve.

Nancy (With the laughing face). Nueva intro de John muy similar a la anterior. Sin duda, estaba muy relajado al grabarlo. Es fácil conmoverse si éste monstruo sopla la lengüeta del saxo. Él y Tyner crean un estado de extrema relajación, y su unión es única, y el Lp, vital en curas de ansiedad, es como un oasis en medio del desierto más árido, y todos los problemas tienen un pequeño receso... Tema mítico, calmo, muy, muy relajado, como deben ser las baladas y sin duda su rey, Ben Webster, que lo interpretó tantas veces, se regocijó en su día al oírlo, pues contiene el alma de toda balada: Belleza, sensibilidad, fraseo apasionado, fuego, sentimiento, y poesía en las formas. Su belleza es tal que casi impide oír al enorme Tyner, la mitad del tema. El disco, sin él, no sería el mismo. Final fantástico para un Lp con muy pocos peros, quizá la rapidez inadecuada de algún tema... y muy poco más, tal vez nada. Esencial.

* Antonio Borrero Sanchez - jazznoend.com

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JOHN COLTRANE - BALLADS - IMPULSE - AS-31 - 1961

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Temas:

Say it (Over and over again); You don’t know what love is.; Too young to go steady; All or nothing at all. I wish I knew; It’s easy to remember; Nancy (With the laughing face)

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Músicos:

John Coltrane (Saxo soprano, Tenor); McCoy Tyner (Piano); Jimmy Garrison (Contrabajo); Reggie Workman (Contrabajo); Elvin Jones (Batería)

LUIZ BONFA - TRISTEZA

Luiz Bonfa es -y pocas dudas me caben al respecto- uno de los pilares principales sobre la que se asentó el éxito y propagación de la bossanova a principio de los años 60. También sea probablemente una de los más (sino el que más) desconocido para el gran público. Más allá del éxito de "Samba de Orfeu" o "Manha de carnaval"- ambas melodías infinitas, inolvidables- incluidas en la película "Orfeo negro" (Marcel Camus, 1959), muchas de sus canciones llegaron a trascender su autoría para llegar a formar parte del acervo popular de todos y cada uno de nosotros, pese a que en muchos casos ignoremos su autoría.

Junto a Joao Gilberto y Antonio Carlos Jobim, conformó algo así como la santísima trinidad musical de la bossanova o "estilo nuevo" (un Laid back sensual y liviano, triste y melancólico que surgió de la simplificación de la samba callejera, el apego por el jazz moderno y la aspiración popular). Bonfa era un guitarrista versátil, relajado, lírico e imaginativo. Su instrumento hablaba más que sonaba. En 1962 Creed Taylor (capo omnipotente del sello Verve) decide encerrarlo en unos estudios de Nueva York para registrar lo que iba a ser el disco de su presentación oficial ante la sociedad americana.

Con una banda de ensueño que acompañaba y vestía, evitando exhibiciones egocéntricas, y permitía a su guitarra evocadora ocupar siempre un lugar preponderante (Oscar Castro Neves al órgano, su hermano Iko al bajo, Roberto Pontes Dias a la batería, Leo Wright a la flauta, Henry Percy Wilcox a la guitarra eléctrica, Lalo Schifrin al piano y haciéndose cargo de los arreglos, y María Toledo a los coros)"Composer of Black Orpheus plays and sings Bossanova" se registra tan sólo en dos días, el 30 y 31 de diciembre de 1962.

Bonfa ya había visitado los Estados Unidos en el 58 y el 59, realizando unos cuantos conciertos. Allí había explorado el jazz de primera mano, conocido a muchos de sus músicos y se había impregnado de su toque distinguido y su aura de modernidad. A principios de los sesenta también compuso alguna bandas sonoras en los USA -"The gentle rain"- al calor del éxito de Orfeo. Venía ya con una carrera a sus espaldas. No era ningún advenedizo. Había hecho sus pinitos vocales en Brasil, a finales de los cuarenta, como miembro del cuarteto Quitandinha Serenaders. Pero donde realmente se mostraba un titán era componiendo. Sagaz para captar el instante y elegante en su resolución, sus composiciones alcanzaban ya casi la cifra del centenar. Entre ellas algunos éxitos para el crooner brasileño Dick Farney (Farnésio Dutra e Silva). Durante el trayecto formativo conoce a Jobim, Vinicius, Gilberto. Encontrará en ellos, aparte de amistad y complicidad, socios de un concepto musical similar, con los que compartir esa nueva mirada.

Como bien dice el título, Luiz Bonfa canta, ¡Y cómo canta!. Huye de arrebatos -algo que en él hemos de consentir que nos parecería de todo punto imposible-, se refugia en lo íntimo partiendo de la humildad y el naturalismo. Una filosofía simple; Desde el detalle hasta el todo. Instantáneamente nos remite a Joao Gilberto -y no es ese mal compañero, no señor- por su insinuante sutileza, por su calidez cercana, por la precisión sensitiva. Una manera de cantar muy a menudo subestimada, para algunos hierática, monocorde, para quién suscribe serena y atractiva, discreta y próxima. Una forma de contarnos las cosas desde el corazón y desde la descripción, muchas veces describiéndose a si mismo desde su propio corazón. Un modo de estar lejano al cliché, evitando sumir al oyente en esa costra viscosa de lo acaramelado y, sin embargo, casi impúdico en lo sentimental.

Durante toda la primera cara de este Lp ejercita esa virtud que, desgraciada nunca repetirá, salvo en casos muy esporádicos, cantar. Seis canciones delicadas y sublimes, de tímida fragilidad ( "Silencio de amor", "Samba de duas notas", "Vem so", "Tristeza", "Sambalamento", "Manha de carnaval") más otras dos en la cara B ("Bossanova cha cha" y "Domingo a noite") en las que brilla acompañándolo la voz de María Toledo, ahora mismo lo más parecido a un ángel que pueda recordar.

* estudiodelsonidosnob.blogspot.com

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LUIZ BONFA - TRISTEZA - VERVE - 1963

Manha de Carnaval; Domingo A Noite; Samba de Duas Notas; Quebra Mar; Tristeza; Ilha de Coral; O Amor Que Acabou; Vem So; Chora Tua Tristeza; Samba Lamento; Bossa nova Cha Cha; Silencio do Amor

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Musicos:
Luiz Bonfa (Guitar and Vocal)
Iko Castro-Neves (Double Bass)
Roberto Pontes-Dias (Drums and Percussion)
Oscar Castro-Neves (Guitar, Piano and Organ)
Maria Helena Toledo (Vocals)
Leo Wright (Flute)
Lalo Schifrin (Arranger)